究其原因，或许要从剧集IP与音乐剧之间的错位谈起。这两种艺术在故事讲述、视听呈现、演员表演等方面存在巨大差异，将影视内容“搬”上舞台化为音乐剧，绝非易事。
故事难圆：删繁就简与情节流失
从舞台艺术自身的特点来看，音乐剧本就并不以复杂叙事见长。哪怕是法国音乐剧《巴黎圣母院》《罗密欧与朱丽叶》等在中国巡演时反响热烈的国外经典，也往往依靠突出的舞美设计、动人的音乐旋律与演员的扎实演唱吸引观众，而铺陈缜密的情节线索从来都不是音乐剧的惯有长项。在音乐剧中，经典故事的存在更多是作为结构骨架，其叙事内容往往被压缩、精炼或转为歌唱，以配合舞台的需求。
而当音乐剧取材自篇幅更长、人物关系更为复杂的电视剧集时，这种先天的结构问题便更加凸显。剧集常以十余集乃至数十集的篇幅铺展情节、刻画人物，而舞台剧则需在两小时左右完成情绪调动与高潮推进，两者节奏与容量差异巨大。于是大多数剧集改编的音乐剧不得不采取删繁就简的方式，将完整的剧情压缩为高度浓缩的缩略本。
当然，也有《灵魂摆渡之永生》《唐朝诡事录之曼陀罗》这类另起炉灶讲述完整全新故事的尝试，试图在原剧IP的光环之下，寻找更契合舞台的故事创作。但并非所有剧集都适合创作“番外”故事。大部分的观众慕名进剧场仍然是为了原剧故事本身，而音乐剧高度提炼原剧情节却经常落得两头不讨好。缩略令熟悉剧集的观众觉得不过瘾，人物的成长脉络、情感的递进层次，都在压缩中变得扁平，难以再现原作的细腻与饱满。另一边，对于初识该故事的观众而言，又会因为浓缩的剧情缺乏必要的背景和铺垫，容易在剧情衔接中感到仓促与割裂，陷入看不懂的迷惘。
哪怕是能接受缩略剧情，不同观众对浓缩的期待也是有不同侧重的。改编者还得在熟悉文本的观众与初次接触的观众之间努力平衡，既要回应熟悉者的期待，又需照顾初来者的理解，这种双重负担，往往使剧集改编音乐剧身处一种“想取悦所有人，反而难以打动任何人”的困境之中。
旋律难优：商业逻辑下的音乐困局
观察我国音乐剧的发展语境，绕不开一个更深层的现实背景——音乐产业本身正面临创作环境的多重重压，传统音乐工业在新的媒介生态中遭遇新的问题和挑战。
又比如粉丝经济与“打投文化”的席卷，也在无形中改写着音乐产业的价值准则。当销量被流量裹挟、排行榜被打榜操控，音乐逐渐脱离大众传播的真实语境，而成为饭圈内部的封闭消费。这种高度圈层化的产业逻辑，使得许多音乐作品即便流量惊人、占据声道，实则与更广泛的社会情感、公共审美并无关联。
角色难塑：形似神离的表演落差
若说音乐剧的音乐在某种意义上是受制于音乐产业环境之窘迫，那音乐剧的表演则不少时候反而是难堪于戏剧影视表演之辽阔。我国音乐剧演员多以声乐为基本功底，其舞台演唱技巧固然扎实，但在戏剧表演的层次与细腻上，普遍难以与那些凭表演成就了热门剧集的影视演员相提并论。这种演技层面的落差，在剧集改编为音乐剧后的直接对比中尤为显眼。甚至不乏有一些音乐剧演员试图缝合表演上的差距，就采取了在舞台上复刻原剧演员的表演方式，或神态模仿、或语气拷贝，却往往流于形式，难以触及角色深层的心理与情绪。这对于熟悉原剧的观众而言，无疑是一种似是而非的不满足。
更为棘手的是，影视艺术的表现方式本就与舞台艺术大相径庭，某些剧集中极具标识性的表演，到了音乐剧舞台上却难以还原。
比如《白夜追凶》中一人分饰双胞胎的复杂演绎，在镜头与剪辑的帮助下成就了经典，但改编为音乐剧后，原本的一人分饰两角只能采取两位演员分别饰演，则看点大打折扣；又如《隐秘的角落》中稚气未脱却压抑冷静的少年气质，靠的是精准选角精湛演技的小演员，而舞台剧的演员储备方面，未成年演员数量大大不足，再加上舞台艺术一气呵成的要求极高，因此该剧的未成年演员成为了舞台演出效果的极大不确定性。
正是由于许多角色有影视层面的难以复制性，使得不少改编音乐剧在人物塑造上先天不足，也就因此大大地影响了最后的成品质感。
剧集改编音乐剧，固然为日渐成熟的我国音乐剧市场提供了一条创新思路，也为舞台表演寻觅到一批自带流量与观众基础的文本资源。但对于观众而言，这类改编所激发的观看冲动，更多仍是源于对原作的情感延续或口碑好奇。换句话说，观众走进剧场，既是追寻那份曾被触动的剧情记忆，也是期望在熟悉或耳闻的人物与故事中，感受到一种旧瓶装新酒的新奇体验。
因此，真正能够赢得观众共鸣的剧集改编音乐剧，需要在和而不同中寻找出路：一方面在缩略叙事主干的基础上尊重原剧、不悖其情感逻辑与人物弧光，另一方面又能巧妙调动音乐剧本体的艺术优势——旋律的情绪强化、舞台的视听美学、表演的身临其境，在这些综合语法之中构建出属于剧场的独特魅力，令观众在似曾相识的情节中，体会焕然一新的感动。
